La crise du sujet n'existe pas en photographie. Selon les goûts, les tempéraments, la motivation ou les occasions, chacun trouve les sujets utiles à la création.

Quel que soit le thème choisi, il faut prendre le temps (dans la mesure du possible) d'observer le sujet, ou le déroulement d'un évènement, afin de déterminer sous quel angle, dans quel cadrage et à quel moment il sera le mieux mis en valeur.

Cadrage

Cadrer le sujet c'est l'insérer agréablement à l'intérieur du format. Un cadrage peut être serré pour isoler le sujet de son contexte, ou au contraire large pour le situer dans son décor.

Indépendamment de la taille réelle du sujet principal, différents cadrages sont possibles :

Plan d'ensemble :

Il représente le sujet dans son milieu environnant, par exemple un château fort au sommet d'une colline.

Plan moyen :

Il correspond à un cadrage plus serré autour du sujet. L'environnement a moins d'importance, mais il conserve encore un rôle expressif et évocateur du décor.

Plan rapproché :

Il contient la partie essentielle du sujet principal, mais sans englober le milieu environnant de manière significative.

Gros plan :

Il concerne une partie très significative du sujet : un visage, une main, une fleur.

Le moment

Un mouvement ou une action passe généralement par un point culminant. Le bon moment pour un portrait c'est quand le sujet présente une expression parfaitement naturelle.

Dans un paysage, il y a aussi un instant privilégié en fonction de la lumière, du vent dans les arbres, des nuages etc....

Soyez attentif au geste d'un enfant, l'attitude d'un animal familier, sans parler des images de sports. De telles images ne sont " réussies" que si elles sont prises à l'instant décisif.

Point de vue et perspective

On appelle point de vue l'emplacement où se trouve l'objectif de l'appareil par rapport au sujet. C'est le point de vue qui détermine la perspective de l'image. Différentes focales ne donnent généralement pas le même aspect d'une scène, par la modification du champ embrassé, et non pas par un changement de perspective.

Voici quelques règles sur le point de vue :

Grand-angulaire - fuyantes très marquées, champ très large, éloignement apparent des plans.

Téléobjectif - fuyantes peu marquées, faible champ, aplatissement des reliefs et des différents plans.

Focale normale - aspect naturel

Point de vue bas - accentue la hauteur des premiers plans, resserre les plans étagés en profondeur.

Point de vue haut - diminue la hauteur des premiers plans, détache et différencie les plans étagés en profondeur.

Point de vue normal - visée à la hauteur de l'œil. Un enfant dont les yeux sont à un mètre du sol ne voit pas le monde sous la même perspective qu'un adulte.

Plongée et contre-plongée - attention aux fuyantes ( convergences des lignes verticales ) et aux déformations des premiers plans.

Point de vue rapproché - mise en valeur de la matière, des détails, en reléguant en arrière les plans plus éloignés.

Point de vue éloigné - tous les éléments ont la même importance, c'est la composition qui mettra en valeur le motif principal.

Lignes et rythme

Une photographie est une projection en deux dimensions d'un monde en trois dimensions.

Les lignes sont la véritable ossature de l'image. Les lignes enveloppent la forme des objets, séparent l'ombre et la lumière, marquent la transition entre deux plages de couleurs etc...

Les lignes sont importantes en tant que limites ou contours, mais aussi en ce qu'elles guident le regard de celui qui examine une photographie. Une bonne composition doit attirer l'œil sur le sujet principal et le laisser ensuite explorer le reste de l'image.

On sent ce qui différencie la rigueur d'une ligne droite, de la douceur des familles de courbes ou le sentiment de confusion engendré par l'enchevêtrement de lignes parmi lesquelles aucune direction ne domine.

La répétition des lignes dominantes crée un rythme qui peut être égal et monotone ou bien accéléré; par exemple par l'effet de la perspective.


Rythme égal	Rythme inégal	Rythme accéléré

L'éclairage

L'éclairage permet de suggérer la notion de relief du sujet, par sa répartition et la direction de la source principale.

Le contraste

Autant que la direction, la dureté de l'éclairage entre dans la création de l'image et dans son climat psychologique. Un portrait aux ombres douces n'est pas le même si les ombres sont très dures. En lumière naturelle on trouve des contrastes très durs, en plein soleil, ou très doux, sous les nuages.

Les couleurs : par le contraste ou l'harmonie des couleurs composant l'image, on établit les limites et la nature des éléments de l'image.

Composition

Composer, c'est former un tout des différentes parties de l'image. Les outils de la composition sont tous les éléments du cadrage que nous avons vus précédemment.

Composer une photographie, ce sera d'abord placer le motif principal en un lieu privilégié de la surface de l'image, puis les éléments secondaires de telle manière qu'ils donnent encore plus de force au motif principal.

Dans une composition classique on peut tenir compte de quatre notions :

Þ L'unité, l'équilibre, la profondeur et l'harmonie.

L'unité du sujet

Il est rarement bon de traiter plusieurs thèmes d'égale importance dans une seule image. Il faut respecter une certaine hiérarchie entre les différents éléments présents dans l'image. Il ne faut pas perdre le motif principal.

L'équilibre asymétrique

Chaque image offre des régions privilégiées sur lesquelles notre oeil se pose.

Règle des tiers :

- Deux lignes verticales et deux lignes horizontales coupent régulièrement le format rectangulaire.

- On peut efficacement aligner les éléments principaux sur ces lignes et les points forts aux intersections.

Le sentiment de profondeur :

Dans une image, l'impression de relief est donné à partir du moment ou les plans sont différenciés les uns des autres. Par la profondeur de champ, l'éclairage, la modulation des nuances colorées, etc., il est possible de retrouver cet effet de perspective.

Symétries et perspectives :

Selon l'axe de prise de vue, les perspectives et la sensation de profondeur sont différents.

Un bâtiment est mieux présenté vu de trois-quarts plutôt que de face. Si deux côtés d'un édifice sont

montrés, mieux vaut ne pas se placer dans la bissectrice de l'angle.

L'harmonie :

Une composition est harmonieuse quand les éléments de l'image s'équilibrent parfaitement à l'intérieur du cadrage. L'harmonie d'une image est difficile à définir avec des mots, c'est quelque chose que le photographe doit ressentir et saisir au bon moment.

La nature morte

N'utilisez que quelques objets, soigneusement sélectionnés.

Un court téléobjectif - 90 ou 100 mm - restitue une perspective plus agréable que la focale normale et facilite le cadrage (en embrassant une moins grande surface de fond). Il requiert en revanche de diaphragmer davantage pour bénéficier de la même profondeur de champ.

Faites une mise au point très précise sur l'objet principal et diaphragmez fortement.

Si vous n'êtes pas sûr de l'exposition correcte, prenez plusieurs vues en variant l'exposition, par exemple, par palier de + ou - 0,5 IL (bracketing). La qualité " physique " de l'image étant un critère décisif, adoptez un film de faible ou moyenne sensibilité (25 à 100 ISO).

Face à un sujet statique, il ne faut pas hésiter à travailler sur pied avec un déclencheur souple pour minimiser le risque de flou ou de bougé.

Le portrait

Généralités

Angle de prise de vue, attitude et expression sont les facteurs décisifs de la réussite d'un portrait.

Pas de trop gros plans qui déforment les éléments les plus proches. En pratique, il ne faut pas utiliser de focale inférieure à 90 mm en 24x36 pour un portrait en gros plan ou en buste. Une focale trop longue aplatit le visage et les oreilles paraissent trop grandes.

Les vues de trois quarts conviennent parfaitement dans la plupart des cas. C'est la morphologie du modèle qui détermine l'axe le plus judicieux. Attention au point de vue : haut pour masquer un double menton, bas pour donner plus d'importance au bas du visage comme la bouche par exemple. Faire lever ou baisser la tête du modèle ne donne pas des résultats équivalents aux points de vue haut ou bas. Faire lever la tête donne un aspect orgueilleux et fier, la faire baisser une attitude réservée et timide.

Eclairage d'un portrait

Positionnement des lampes

L'éclairage d'un visage est chose délicate. La disposition de la lumière principale a une influence sur les volumes et sur la ressemblance.

1 La lampe est placée environ 30 cm au dessus de l'appareil : pratiquement aucun modelé.

2 La lampe est placée à 45° de l'axe optique : meilleur modelé, mais ombre disgracieuse du nez.

3 La lampe sur le coté : une moitié du visage est dans l'ombre, tandis que l'autre présente une exagération de la texture de la peau.

4 Lampe placée en semi contre-jour : le visage n'est pas reconnaissable.

5 Une lampe placée en contre-jour au dessus du modèle, produit un liseré lumineux sur les cheveux et le cou.

6 Ici, la lampe est tournée vers le fond qu'elle éclaire brillamment. On obtient une silhouette.

Effet dramatique

Un éclairage dramatique peut faire "vivre" un portrait : il donne une exagération, parfois caricaturale, aux reliefs du visage et souligne les accidents de la peau.

1 Le portrait est éclairé par une ambiance diffuse.

2 Le portrait est éclairé par un spot plongeant très verticalement.

3 Le portrait est éclairé par un spot placé sous le visage, en contre plongée.

Profil

Un profil est très révélateur du caractère du modèle. L'éclairage joue un rôle primordial.

Devant un fond sombre avec un éclairage latéral diffus : les cheveux se noient dans l'ombre.

Devant un fond moyennement éclairé, pour donner un gris intermédiaire entre les parties claires et les parties ombrées du visage.

Silhouettes

Faire une silhouette est le moyen le plus efficace pour mettre l'accent sur la forme. L'expression et le caractère sont résumés par les seuls contours de la bouche, du nez ou du menton. Lorsque cela est nécessaire, on peut apporter une touche de lumière sur un point particulier.

Éclairage frisant

Il permet de souligner un contour significatif par une ligne de lumière brillante, contrastant généralement avec un fond sombre. En studio on utilise un spot plus haut que le sujet et placé derrière lui, ainsi qu'un projecteur d'ambiance en réflexion sur un mur blanc.

En extérieur un effet similaire peut être obtenu avec une seule source de lumière. Placez un grand réflecteur blanc du côté ombre de l'éclairage, juste à la limite du cadrage Cela donnera quelques détails dans les ombres du visage.

Portrait d'enfants

Les enfants sont toujours spontanés et naturels. C'est à dire que le problème essentiel du portrait des adultes, la justesse de l'expression, est ici évacué. Le seul souci est de saisir la mimique ou l'expression au bon moment. Choisir plutôt un éclairage très doux, sans effet de lumière, pour ne pas vous soucier de l'orientation du modèle.

Photographiez un enfant à sa hauteur pour avoir une perspective semblable à celle qu'il ressent.

Un studio chez soi

Vous pouvez réaliser d'excellents portraits avec une seule source de lumière artificielle à condition quelle puisse être disposée librement par rapport au modèle, au fond et à l'axe de l'objectif. Complétez l'éclairage si nécessaire pour déboucher des ombres et/ou diffusion de la lumière, grâce à des diffuseurs et réflecteurs. Installez un fond suffisamment grand derrière le modèle, un fond de papier blanc ou un mur blanc, qui permettent d'obtenir toutes les valeurs de gris, particulièrement quand vous avez la possibilité de l'éclairer séparément. Mesurer l'exposition sur le sujet principal, c'est bien évidemment sur le visage. Un posemètre indépendant vous permettra par ailleurs d'apprécier le contraste entre l'ombre et la lumière et de doser l'éclairement du fond.

Avec un ou plusieurs petits flashes

Les petits flashes donnent une lumière comparable à celle donnée par un spot ou une lampe quartz halogène. On peut donc leur appliquer les même principes d'éclairement.

1 Le flash, fixé sur l'appareil et dirigé directement sur le sujet, donne une image détaillée, mais sans relief ni texture. Le premier plan est toujours plus éclairé que le fond.

2 Un diffuseur, tel un morceau de papier calque, disperse et adoucit la lumière, tout en diminuant son intensité. Les ombres sont moins marquées et la lumière est mieux répartie.

3 Ici, le flash a été dirigé sur le plafond : ce qui donne un éclairage indirect, donc doux et diffus. Avec un flash à computer, le senseur doit rester pointé sur le sujet, non sur le plafond.

4 En utilisant le flash directement, mais en l'éloignant de l'appareil, on obtient un éclairage contrasté, mais mettant bien en valeur volume et texture. Faire appel à un réflecteur pour réduire le contraste.

5 Un flash à pleine puissance, éloigné de l'appareil, donne la lumière principale, le flash situé sur l'appareil, de plus faible puissance ou muni d'un diffuseur, diminue le contraste.

6 Un flash éloigné de l'appareil donne la lumière disponible principale, tandis que l'autre éclaire le fond. Pour régler la valeur du fond, jouer sur la distance flash-fond.

Portrait en extérieur

Le soleil voilé est l'éclairage naturel le plus favorable pour le portrait en extérieur, en noir et blanc comme en couleur.

Quand le temps est gris ou en plein contre jour, créer l'éclairage principal (celui qui forme le modelé) avec un éclair de flash électronique.

Mesurez sélectivement l'exposition sur le visage, car c'est naturellement le motif "significatif" d'un portrait.

L'emploi d'un long téléobjectif - 200 mm par exemple - permet d'isoler le modèle dans un environnement complètement flou, ce qui confère d'autant plus d'impact.

L'emploi d'une surface réfléchissante naturelle ou artificielle permet de réduire un contraste excessif entre les parties éclairées et les zones d'ombres d'un personnage photographié en plein soleil.

Flash en intérieur :

Attachez une grande importance à la composition, situez le personnage sur un point fort de l'image, dans la zone la mieux éclairée de la pièce. Les éléments du décor évoquent la personnalité et jouent donc un grand rôle pour la signification de l'image. Déterminez toujours l'exposition pour la partie la plus éclairée du personnage. Si le contraste est trop élevé, utilisez un réflecteur ou une source d'appoint afin de le diminuer, mais sans que cela modifie l'effet donné par la source principale.

Le nu féminin

Photographier le corps d'une femme, ce n'est pas avant tout représenter sa nudité, c'est une recherche d'ordre esthétique à travers la forme humaine. Isolez le modèle de tous décors compliqués ou réalistes, un fond uni est toujours préférable.

Faites adopter une pose naturelle et simple à votre modèle. Evitez tout élément personnel, ici, la femme prend une toute autre signification si elle regarde dans l'objectif.

La perspective ne dépend que du point de vue : la première chose à faire et de déterminer la position de l'appareil par rapport au modèle. Utilisez si possible un objectif de focale plutôt longue : de 70 à 135 mm en 24x36. Quelles que soient la pose, l'attitude ou l'expression, un corps - selon sa morphologie particulière - est habituellement plus agréable vu de trois-quarts, droite ou gauche, que de plein face.

Une seule source de lumière, généralement placée de façon oblique et venant d'assez haut est idéale. Sauf recherche d'un effet spécial, un éclairage relativement diffus convient habituellement mieux à la mise en relief du corps. Il est parfois nécessaire de " déboucher les ombres" par une deuxième source très diffuse (réflecteur passif, lumière d'ambiance, lumière du jour, flash en fill-in, etc). Ne placez pas les épaules, les bras, les mains, les cuisses, les jambes et les pieds du modèle, dans le même plan que sa poitrine, sa taille et son bassin. Cherchez à ce que ces différents éléments forment entre eux des lignes sinueuses, ainsi que des formes et des volumes détachés et harmonieux.

Reportage

Pour les amateurs, les reportages sont souvent familiaux, naissance, mariage, fête scolaire...

- Choix du sujet : bien choisir son sujet en ayant si possible une approche originale. Un mariage par exemple est souvent traité selon le schéma : maire, église, groupe, repas ... traitez le sous un autre angle : les préparatifs de la mariée, la vision de la maman, les larmes et l'émotion.

- Informations : il faut connaître au mieux le sujet de son reportage. Si possible prendre des contacts préalables, pour des autorisations ou pour prévenir de son passage.

- Repérage : le repérage est utile pour connaître la topographie des lieux, pour découvrir les sites de prises de vue et ainsi optimiser le temps et les moyens pour réaliser le reportage ( choix du moment dans la journée pour une meilleure lumière ou événement à ne pas manquer.

- Choix du matériel :

Boîtier : fragilité, rapidité, discrétion...

Objectifs : ouverture, focale...

Flash : fill-in, réchauffer une scène...

- Pendant le reportage, concentrez vous sur le sujet principal et ne perdez pas le fil conducteur. Suivez la chronologie établie lors du repérage. Ne négligez pas la composition des images : n'hésitez pas à fabriquer une image en faisant, par exemple, apparaître un accessoire symbolique pour rendre la photo plus forte (sans toutefois déformer l'information).

- Après le reportage, n'oubliez pas de noter les coordonnées des personnages, les références des sites, pour légender votre reportage.

Le bon reporter se trouve au bon endroit et au bon moment (là où il se passe quelque chose). En fait on pourrait dire " le bon reporter distingue des choses et des événements là ou le commun des mortels n'aperçoit rien d'exceptionnel. Bien souvent il faut travailler vite et sans se faire remarquer (matériel voyant ou longue préparation à éviter). Ne pas oublier qu'il existe des endroits où les photos sont interdites.

A chaque Objectif son point d'hyperfocale

Focale de

l'objectif

Diaphragme

choisi

Point d'hyperfocale

Zone de

netteté

Focale de

l'objectif

Diaphragme

choisi

Point d'hyperfocale

Zone de

netteté

19 mm

f/5.6

f/8

f/11

f/16

2,15m

1,50m

1,09m

0,75m

1,07m à ¥

0,75m à ¥

0,55m à ¥

0,38m à ¥

28 mm

f/5.6

f/8

f/11

f/16

4,60m

3,20m

2,40m

1,60m

2,30m à ¥

1,60m à ¥

1,20m à ¥

0,80m à ¥

21 mm

f/5.6

f/8

f/11

f/16

2,63m

1,84m

1,34m

0,92m

1,31m à ¥

0,92m à ¥

0,67m à ¥

0,46m à ¥

35 mm

f/5.6

f/8

f/11

f/16

7,30m

5,10m

3,70m

2,60m

3,60m à ¥

2,60m à ¥

1,90m à ¥

1,30m à ¥

24 mm

f/5.6

f/8

f/11

f/16

3,43m

2,40m

1,75m

1,20m

1,71m à ¥

1,20m à ¥

0,87m à ¥

0,60m à ¥

50mm

f/5.6

f/8

f/11

f/16

14,9m

10,4m

7,60m

5,90m

7,40m à ¥

5,20m à ¥

3,80m à ¥

2,60m à ¥

Paysage

En noir et blanc, vous n'obtiendrez des résultats intéressants que si le sujet est modelé par un éclairage latéral ou même de contre-jour. Utilisez un filtre dégradé afin d'augmenter la densité du ciel et faire contraster les nuages. Si vous désirez éclaircir les verdures, utilisez un filtre vert clair.

En couleur, apprenez à jouer adroitement avec l'infinie variété des teintes et des nuances, arbres de diverses essences, jaune agressif du colza et des tournesols, fleurs dans les blés, etc...

En matière d'exposition, veillez à ne pas sous-exposer afin que les masses de verdure restent suffisamment claires.

Si vous opérez en semi-automatique, effectuez la mesure en protégeant l'appareil de l'influence du ciel. En automatique, affichez une correction de + 0,5 IL.

L'eau et la neige

Quand l'eau est agitée, commencez par sélectionner la vitesse d'obturation selon la manière dont vous voulez traduire le mouvement. Un éclairage de semi ou de plein contre-jour est le seul capable de traduire la transparence de l'eau.

Un filtre polarisant bien orienté permet d'atténuer les reflets du ciel sur la surface de l'eau et d'augmenter sa transparence.

En contre-jour, la mesure de l'appareil risque d'être influencée par des points trop lumineux, afin d'éviter l'effet de nuit affichez une correction de + 1IL.

Evitez, dans la composition, la symétrie et la monotonie. Ne placez pas l'horizon au milieu de la hauteur de l'image mais surtout veuillez à ce qu'il soit bien horizontal, et comme pour les panoramas, cherchez à inclure un motif secondaire au premier plan afin de bien communiquer la notion de profondeur.

Pour les paysages de neige, recherchez les éclairages de côté et de contre-jour qui détachent les plans et font scintiller la neige.

Si le champ de neige n'est pas l'élément dominant de la composition, établissez l'exposition en vous basant sur la luminance du sujet principal, un personnage par exemple. Par contre, si vous désirez un excellent rendu de la neige, affichez une surexposition de + 1IL par rapport à la valeur mesurée par le posemètre.

Un filtre UV ou jaune clair est souvent utile en noir et blanc, le filtre UV ou Wratten 1A en couleur sur film inversible.