Prise
de vues
Esthétique
et création
Notions générales : Choix du sujet, du cadrage et de la composition.
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Les artistes photographes ne cherchent
pas un sujet, ils trouvent dans le monde un support à leur expression
personnelle.
La crise du sujet n'existe pas en
photographie. Selon les goûts, les tempéraments, la motivation ou les
occasions, chacun trouve les sujets utiles à la création.
Quel que soit le thème choisi, il
faut prendre le temps (dans la mesure du possible) d'observer le sujet, ou le
déroulement d'un évènement, afin de déterminer sous quel angle, dans quel
cadrage et à quel moment il sera le mieux mis en valeur.
Cadrer le sujet c'est l'insérer
agréablement à l'intérieur du format. Un cadrage peut être serré pour isoler le
sujet de son contexte, ou au contraire large pour le situer dans son décor.
Indépendamment de la taille réelle
du sujet principal, différents cadrages sont possibles :
Plan d'ensemble :
Il représente le sujet dans son milieu environnant, par exemple un château fort au sommet d'une colline.
Plan moyen :
Il correspond à un cadrage plus serré autour du sujet. L'environnement a moins d'importance, mais il conserve encore un rôle expressif et évocateur du décor.
Plan rapproché :
Il contient la partie essentielle du sujet principal, mais sans englober le milieu environnant de manière significative.
Gros plan :
Il concerne une partie très significative du sujet : un visage, une main,
une fleur.
Un mouvement ou une action passe
généralement par un point culminant. Le bon moment pour un portrait c'est quand
le sujet présente une expression parfaitement naturelle.
Dans un paysage, il y a aussi un
instant privilégié en fonction de la lumière, du vent dans les arbres, des
nuages etc....
Soyez attentif au geste d'un
enfant, l'attitude d'un animal familier, sans parler des images de sports. De
telles images ne sont " réussies" que si elles sont prises à
l'instant décisif.
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On appelle point de vue
l'emplacement où se trouve l'objectif de l'appareil par rapport au sujet. C'est
le point de vue qui détermine la perspective de l'image. Différentes focales ne
donnent généralement pas le même aspect d'une scène, par la modification du
champ embrassé, et non pas par un changement de perspective.
Voici quelques règles sur le point
de vue :
Grand-angulaire - fuyantes très marquées, champ très large, éloignement apparent des plans.
Téléobjectif - fuyantes peu marquées, faible champ, aplatissement des reliefs et des différents plans.
Focale normale - aspect naturel
Point de vue bas - accentue la hauteur des premiers plans, resserre les plans étagés en profondeur.
Point de vue haut - diminue la hauteur des premiers plans, détache et différencie les plans étagés en profondeur.
Point de vue normal - visée à la hauteur de l'œil. Un enfant dont les yeux sont à un mètre du sol ne voit pas le monde sous la même perspective qu'un adulte.
Plongée et contre-plongée - attention aux fuyantes ( convergences des lignes verticales ) et aux déformations des premiers plans.
Point de vue rapproché - mise en valeur de la matière, des détails, en reléguant en arrière les plans plus éloignés.
Point de vue éloigné - tous les éléments ont la même importance, c'est la composition qui mettra en valeur le motif principal.
Une photographie est une
projection en deux dimensions d'un monde en trois dimensions.
Les lignes sont la véritable
ossature de l'image. Les lignes enveloppent la forme des objets, séparent
l'ombre et la lumière, marquent la transition entre deux plages de couleurs
etc...
Les lignes sont importantes en
tant que limites ou contours, mais aussi en ce qu'elles guident le regard de
celui qui examine une photographie. Une bonne composition doit attirer l'œil
sur le sujet principal et le laisser ensuite explorer le reste de l'image.
On sent ce qui différencie la
rigueur d'une ligne droite, de la douceur des familles de courbes ou le
sentiment de confusion engendré par l'enchevêtrement de lignes parmi
lesquelles aucune direction ne domine. La répétition des lignes dominantes crée un rythme qui peut être égal et monotone ou bien accéléré; par exemple par l'effet de la perspective. |
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Rythme égal |
Rythme inégal |
Rythme accéléré |
L'éclairage permet de suggérer la notion de relief du
sujet, par sa répartition et la direction de la source principale.
Autant que la direction, la dureté de l'éclairage entre dans la création de l'image et dans son climat psychologique. Un portrait aux ombres douces n'est pas le même si les ombres sont très dures. En lumière naturelle on trouve des contrastes très durs, en plein soleil, ou très doux, sous les nuages.
Les couleurs : par le contraste ou
l'harmonie des couleurs composant l'image, on établit les limites et la nature
des éléments de l'image.
Composer, c'est former un tout des
différentes parties de l'image. Les outils de la composition sont tous les
éléments du cadrage que nous avons vus précédemment.
Composer une photographie, ce sera
d'abord placer le motif principal en un lieu privilégié de la surface de
l'image, puis les éléments secondaires de telle manière qu'ils donnent encore
plus de force au motif principal.
Dans une composition classique on
peut tenir compte de quatre notions :
Þ L'unité, l'équilibre, la profondeur et
l'harmonie.
L'unité
du sujet
Il est rarement bon de traiter
plusieurs thèmes d'égale importance dans une seule image. Il faut respecter une
certaine hiérarchie entre les différents éléments présents dans l'image. Il ne
faut pas perdre le motif principal.
L'équilibre
asymétrique
Chaque image offre des régions privilégiées sur lesquelles notre oeil se pose. Règle des tiers : - Deux lignes verticales et deux
lignes horizontales coupent régulièrement le format rectangulaire. - On peut efficacement aligner
les éléments principaux sur ces lignes et les points forts aux intersections. |
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Le sentiment de profondeur :
Dans une image, l'impression de relief
est donné à partir du moment ou les plans sont différenciés les uns des
autres. Par la profondeur de champ, l'éclairage, la modulation des nuances
colorées, etc., il est possible de retrouver cet effet de perspective. |
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Symétries
et perspectives :
Selon l'axe de prise de vue, les perspectives et la sensation de profondeur sont différents.
Un bâtiment est mieux présenté vu de trois-quarts plutôt que de face.
Si deux côtés d'un édifice sont
montrés, mieux vaut ne pas se placer dans la bissectrice
de l'angle.
L'harmonie :
Une composition est harmonieuse quand les
éléments de l'image s'équilibrent parfaitement à l'intérieur du cadrage.
L'harmonie d'une image est difficile à définir avec des mots, c'est quelque
chose que le photographe doit ressentir et saisir au bon moment.
N'utilisez que quelques objets, soigneusement sélectionnés. Un court téléobjectif - 90 ou
100 mm - restitue une perspective plus agréable que la focale normale et
facilite le cadrage (en embrassant une moins grande surface de fond). Il
requiert en revanche de diaphragmer davantage pour bénéficier de la même
profondeur de champ.
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Si vous n'êtes pas sûr de l'exposition
correcte, prenez plusieurs vues en variant l'exposition, par exemple, par
palier de + ou - 0,5 IL (bracketing). La qualité " physique " de
l'image étant un critère décisif, adoptez un film de faible ou moyenne
sensibilité (25 à 100 ISO).
Face à un sujet statique, il ne
faut pas hésiter à travailler sur pied avec un déclencheur souple pour
minimiser le risque de flou ou de bougé.
Angle de prise de vue, attitude et
expression sont les facteurs décisifs de la réussite d'un portrait.
Pas de trop gros plans qui
déforment les éléments les plus proches. En pratique, il ne faut pas utiliser
de focale inférieure à 90 mm en 24x36 pour un portrait en gros plan ou en
buste. Une focale trop longue aplatit le visage et les oreilles paraissent trop
grandes.
Les vues de trois quarts
conviennent parfaitement dans la plupart des cas. C'est la morphologie du
modèle qui détermine l'axe le plus judicieux. Attention au point de vue : haut
pour masquer un double menton, bas pour donner plus d'importance au bas du
visage comme la bouche par exemple. Faire lever ou baisser la tête du modèle ne
donne pas des résultats équivalents aux points de vue haut ou bas. Faire lever
la tête donne un aspect orgueilleux et fier, la faire baisser une attitude
réservée et timide.
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Positionnement des lampes
L'éclairage d'un visage est chose
délicate. La disposition de la lumière principale a une influence sur les
volumes et sur la ressemblance.
1 La lampe est placée environ 30 cm au dessus de l'appareil : pratiquement aucun modelé.
2 La lampe est placée à 45° de l'axe optique : meilleur modelé, mais ombre disgracieuse du nez.
3 La lampe sur le coté : une moitié du visage est dans l'ombre, tandis que l'autre présente une exagération de la texture de la peau.
4 Lampe placée en semi contre-jour : le visage n'est pas reconnaissable.
5 Une lampe placée en contre-jour au dessus du modèle, produit un liseré lumineux sur les cheveux et le cou.
6 Ici, la lampe est tournée vers
le fond qu'elle éclaire brillamment. On obtient une silhouette.
Effet
dramatique
Un éclairage dramatique peut faire "vivre" un portrait : il donne une exagération, parfois caricaturale, aux reliefs du visage et souligne les accidents de la peau.
1 Le portrait est éclairé par une ambiance diffuse. 2 Le portrait est éclairé par un spot plongeant très verticalement. 3 Le portrait est éclairé par un spot placé sous le visage,
en contre plongée. |
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Profil
Un profil est très révélateur du caractère du modèle. L'éclairage joue un rôle primordial.
Devant un fond sombre avec un éclairage latéral diffus : les cheveux se noient dans l'ombre.
Devant un fond moyennement éclairé,
pour donner un gris intermédiaire entre les parties claires et les parties
ombrées du visage.
Silhouettes
Faire une silhouette est le moyen le plus efficace pour mettre l'accent sur la forme. L'expression et le caractère sont résumés par les seuls contours de la bouche, du nez ou du menton. Lorsque cela est nécessaire, on peut apporter une touche de lumière sur un point particulier.
Éclairage
frisant
Il permet de souligner un contour significatif par une ligne de lumière brillante, contrastant généralement avec un fond sombre. En studio on utilise un spot plus haut que le sujet et placé derrière lui, ainsi qu'un projecteur d'ambiance en réflexion sur un mur blanc. En extérieur un effet similaire
peut être obtenu avec une seule source de lumière. Placez un grand réflecteur
blanc du côté ombre de l'éclairage, juste à la limite du cadrage Cela donnera
quelques détails dans les ombres du visage. |
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Les enfants sont toujours spontanés
et naturels. C'est à dire que le problème essentiel du portrait des adultes, la
justesse de l'expression, est ici évacué. Le seul souci est de saisir la
mimique ou l'expression au bon moment. Choisir plutôt un éclairage très doux,
sans effet de lumière, pour ne pas vous
soucier de l'orientation du
modèle.
Photographiez un enfant à sa
hauteur pour avoir une perspective semblable à celle qu'il ressent.
Vous pouvez réaliser d'excellents
portraits avec une seule source de lumière artificielle à condition quelle
puisse être disposée librement par rapport au modèle, au fond et à l'axe de
l'objectif. Complétez l'éclairage si nécessaire pour déboucher des ombres et/ou
diffusion de la lumière, grâce à des diffuseurs et réflecteurs. Installez un
fond suffisamment grand derrière le modèle, un fond de papier blanc ou un mur
blanc, qui permettent d'obtenir toutes les valeurs de gris, particulièrement
quand vous avez la possibilité de l'éclairer séparément. Mesurer l'exposition
sur le sujet principal, c'est bien évidemment sur le visage. Un posemètre
indépendant vous permettra par ailleurs d'apprécier le contraste entre l'ombre
et la lumière et de doser l'éclairement du fond.
Avec un ou plusieurs petits
flashes
Les petits flashes donnent une lumière comparable à celle donnée par un spot ou une lampe quartz halogène. On peut donc leur appliquer les même principes d'éclairement.
1 Le flash, fixé sur l'appareil et dirigé directement sur le sujet, donne une image détaillée, mais sans relief ni texture. Le premier plan est toujours plus éclairé que le fond.
2 Un diffuseur, tel un morceau de papier calque, disperse et adoucit la lumière, tout en diminuant son intensité. Les ombres sont moins marquées et la lumière est mieux répartie.
3 Ici, le flash a été dirigé sur le plafond : ce qui donne un éclairage indirect, donc doux et diffus. Avec un flash à computer, le senseur doit rester pointé sur le sujet, non sur le plafond.
4 En utilisant le flash directement, mais en l'éloignant de l'appareil, on obtient un éclairage contrasté, mais mettant bien en valeur volume et texture. Faire appel à un réflecteur pour réduire le contraste.
5 Un flash à pleine puissance, éloigné de l'appareil, donne la lumière principale, le flash situé sur l'appareil, de plus faible puissance ou muni d'un diffuseur, diminue le contraste.
6 Un flash éloigné de l'appareil
donne la lumière disponible principale, tandis que l'autre éclaire le fond. Pour
régler la valeur du fond, jouer sur la distance flash-fond.
Le soleil voilé est l'éclairage
naturel le plus favorable pour le portrait en extérieur, en noir et blanc comme
en couleur.
Quand le temps est gris ou en plein
contre jour, créer l'éclairage principal (celui qui forme le modelé) avec un
éclair de flash électronique.
Mesurez sélectivement l'exposition
sur le visage, car c'est naturellement le motif "significatif" d'un
portrait.
L'emploi d'un long téléobjectif -
200 mm par exemple - permet d'isoler le modèle dans un environnement
complètement flou, ce qui confère d'autant plus d'impact.
L'emploi d'une surface
réfléchissante naturelle ou artificielle permet de réduire un contraste
excessif entre les parties éclairées et les zones d'ombres d'un personnage
photographié en plein soleil.
Flash
en intérieur :
Attachez une grande importance à
la composition, situez le personnage sur un point fort de l'image, dans la zone
la mieux éclairée de la pièce. Les éléments du décor évoquent la personnalité
et jouent donc un grand rôle pour la signification de l'image. Déterminez
toujours l'exposition pour la partie la plus éclairée du personnage. Si le
contraste est trop élevé, utilisez un réflecteur ou une source d'appoint afin
de le diminuer, mais sans que cela modifie l'effet donné par la source
principale. |
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Photographier le corps d'une femme,
ce n'est pas avant tout représenter sa nudité, c'est une recherche d'ordre
esthétique à travers la forme humaine. Isolez le modèle de tous décors
compliqués ou réalistes, un fond uni est toujours préférable.
Faites adopter une pose naturelle
et simple à votre modèle. Evitez tout élément personnel, ici, la femme prend
une toute autre signification si elle regarde dans l'objectif.
La perspective ne dépend que du
point de vue : la première chose à faire et de déterminer la position de
l'appareil par rapport au modèle. Utilisez si possible un objectif de focale
plutôt longue : de 70 à 135 mm en 24x36. Quelles que soient la pose, l'attitude
ou l'expression, un corps - selon sa morphologie particulière - est
habituellement plus agréable vu de trois-quarts, droite ou gauche, que de plein
face.
Une seule source de lumière,
généralement placée de façon oblique et venant d'assez haut est idéale. Sauf
recherche d'un effet spécial, un éclairage relativement diffus convient
habituellement mieux à la mise en relief du corps. Il est parfois nécessaire de
" déboucher les ombres" par une deuxième source très diffuse
(réflecteur passif, lumière d'ambiance, lumière du jour, flash en fill-in,
etc). Ne placez pas les épaules, les bras, les mains, les cuisses, les jambes et
les pieds du modèle, dans le même plan que sa poitrine, sa taille et son
bassin. Cherchez à ce que ces différents éléments forment entre eux des lignes
sinueuses, ainsi que des formes et des volumes détachés et harmonieux.
Pour les amateurs, les reportages sont souvent familiaux, naissance, mariage, fête scolaire...
- Choix du sujet : bien choisir son sujet en ayant si possible une approche originale. Un mariage par exemple est souvent traité selon le schéma : maire, église, groupe, repas ... traitez le sous un autre angle : les préparatifs de la mariée, la vision de la maman, les larmes et l'émotion.
-
Informations : il faut connaître au mieux le sujet de son reportage.
Si possible prendre des contacts préalables, pour des autorisations ou pour
prévenir de son passage.
-
Repérage : le repérage est utile pour connaître la topographie
des lieux, pour découvrir les sites de prises de vue et ainsi optimiser le
temps et les moyens pour réaliser le reportage ( choix du moment dans la journée
pour une meilleure lumière ou événement à ne pas manquer.
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Choix du matériel :
Boîtier : fragilité, rapidité, discrétion...
Objectifs : ouverture, focale...
Flash : fill-in, réchauffer une scène...
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Pendant le reportage, concentrez vous sur le sujet principal
et ne perdez pas le fil conducteur. Suivez la chronologie établie lors du
repérage. Ne négligez pas la composition des images : n'hésitez pas à fabriquer
une image en faisant, par exemple, apparaître un accessoire symbolique pour
rendre la photo plus forte (sans toutefois déformer l'information).
-
Après le reportage, n'oubliez pas de noter les coordonnées
des personnages, les références des sites, pour légender votre reportage.
Le bon reporter se trouve au bon
endroit et au bon moment (là où il se passe quelque chose). En fait on pourrait
dire " le bon reporter distingue des choses et des événements là ou le
commun des mortels n'aperçoit rien d'exceptionnel. Bien souvent il faut
travailler vite et sans se faire remarquer (matériel voyant ou longue préparation
à éviter). Ne pas oublier qu'il existe des endroits où les photos sont
interdites.
A chaque Objectif son point d'hyperfocale |
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Focale de l'objectif |
Diaphragme choisi |
Point d'hyperfocale |
Zone de netteté |
Focale de l'objectif |
Diaphragme choisi |
Point d'hyperfocale |
Zone de netteté |
19 mm |
f/5.6 f/8 f/11 f/16 |
2,15m 1,50m 1,09m 0,75m |
1,07m à ¥ 0,75m à ¥ 0,55m à ¥ 0,38m à ¥ |
28 mm |
f/5.6 f/8 f/11 f/16 |
4,60m 3,20m 2,40m 1,60m |
2,30m à ¥ 1,60m à ¥ 1,20m à ¥ 0,80m à ¥ |
21 mm |
f/5.6 f/8 f/11 f/16 |
2,63m 1,84m 1,34m 0,92m |
1,31m à ¥ 0,92m à ¥ 0,67m à ¥ 0,46m à ¥ |
35 mm |
f/5.6 f/8 f/11 f/16 |
7,30m 5,10m 3,70m 2,60m |
3,60m à ¥ 2,60m à ¥ 1,90m à ¥ 1,30m à ¥ |
24 mm |
f/5.6 f/8 f/11 f/16 |
3,43m 2,40m 1,75m 1,20m |
1,71m à ¥ 1,20m à ¥ 0,87m à ¥ 0,60m à ¥ |
50mm |
f/5.6 f/8 f/11 f/16 |
14,9m 10,4m 7,60m 5,90m |
7,40m à ¥ 5,20m à ¥ 3,80m à ¥ 2,60m à ¥ |
En noir et blanc, vous n'obtiendrez
des résultats intéressants que si le sujet est modelé par un éclairage latéral
ou même de contre-jour. Utilisez un filtre dégradé afin d'augmenter la densité
du ciel et faire contraster les nuages. Si vous désirez éclaircir les verdures,
utilisez un filtre vert clair.
En couleur, apprenez à jouer
adroitement avec l'infinie variété des teintes et des nuances, arbres de
diverses essences, jaune agressif du colza et des tournesols, fleurs dans les
blés, etc...
En matière d'exposition, veillez à
ne pas sous-exposer afin que les masses de verdure restent suffisamment
claires.
Si vous opérez en
semi-automatique, effectuez la mesure en protégeant l'appareil de l'influence
du ciel. En automatique, affichez une correction de + 0,5 IL.
Quand l'eau est agitée, commencez
par sélectionner la vitesse d'obturation selon la manière dont vous voulez
traduire le mouvement. Un éclairage de semi ou de plein contre-jour est le seul
capable de traduire la transparence de l'eau.
Un filtre polarisant bien orienté
permet d'atténuer les reflets du ciel sur la surface de l'eau et d'augmenter sa
transparence.
En contre-jour, la mesure de
l'appareil risque d'être influencée par des points trop lumineux, afin d'éviter
l'effet de nuit affichez une correction de + 1IL.
Evitez, dans la composition, la
symétrie et la monotonie. Ne placez pas l'horizon au milieu de la hauteur de
l'image mais surtout veuillez à ce qu'il soit bien horizontal, et comme pour
les panoramas, cherchez à inclure un motif secondaire au premier plan afin de
bien communiquer la notion de profondeur.
Pour les paysages de neige,
recherchez les éclairages de côté et de contre-jour qui détachent les plans et
font scintiller la neige.
Si le champ de neige n'est pas l'élément
dominant de la composition, établissez l'exposition en vous basant sur la
luminance du sujet principal, un personnage par exemple. Par contre, si vous
désirez un excellent rendu de la neige, affichez une surexposition de + 1IL par
rapport à la valeur mesurée par le posemètre.
Un filtre UV ou jaune clair est souvent utile en noir et blanc, le filtre UV ou Wratten 1A en couleur sur film inversible.